Q. 자기소개 부탁 드립니다.

Could you briefly introduce yourself?

안녕하세요. 그림으로 할 수 있는 일이라면 무엇이든 도전하고픈 탐색가, 경험 맹신론자, 상업 일러스트레이션과 회화 작업을 병행하고 있는 아티스트 집시입니다. 

Hello, I'm Zipcy—an explorer who embraces any challenge as long as it involves drawing, a firm believer in the power of experience, and an artist balancing both commercial illustration and painting.

Q. 집시'라는 활동명에는 자유와 열정이 담긴 것 같아요. 이 이름을 사용하신 이유에 대해 설명해주시겠어요?

The name "Zipcy" seems to carry a sense of freedom and passion. Could you share the story behind choosing this name?

집시라는 예명은 뮤지컬 『노트르담 드 파리』의 에스메랄다 캐릭터에서 비롯되었습니다. 가진 것이 적어도 자신감과 소신이 충만하며, 늘 따듯하게 동료들을 돕는 에스메랄다처럼 저도 제 예술적 재능을 바탕으로 당당히 돈을 벌고, 번 만큼 나누며, 삶에 대한 신념과 소신이 있는 당찬 여성으로 살고 싶었습니다.
지금의 '집시'는 유럽에서 다소 부정적인 의미로 쓰지만, 본래의 어원은 그렇지 않다고 해요. "뮌헨의 슈바빙에서 본 집시들은 가진 것이 없어도 오만과 긍지를 잃지 않았다. ‘구걸’일지언정 자신의 재능으로 번 돈으로 동료들과 함께 빵을 나누어 먹는 따뜻한 사람들이었다." 이 글을 전혜린의 에세이 『그리고 아무 말도 하지 않았다』에서 읽고 깊은 감명을 받아, 제 예명에 반영하게 되었습니다. (스펠링을 'Gypsy'가 아닌 'Zipcy'로 정한 이유는 검색의 편의성을 고려했기 때문이에요.)

The name "Zipcy" was inspired by Esmeralda from Notre-Dame de Paris—a confident, strong-willed character who helps others despite having little. I aspired to live similarly, earning through my art, sharing what I have, and staying true to my values. Gypsy’s original meaning resonated with me. A Korean writer, Jeon Hye-rin’s essay ‘And Then There Was Silence” describes Romani people in Munich “Though they had little, they never lost their pride and shared what they earned through their talents.” This inspired my name choice, with “Zipcy” replacing “Gypsy” for better searchability. 

Q. 가장 애착이 가는 대표작은 무엇인가요? 그 작품이 작가님에게 어떤 의미를 가지는 이유도 궁금합니다.

What is the work you feel most attached to? I'd love to hear why that piece holds special meaning for you.

2017년부터 2019년까지 작업한 ‘닿음’이라는 작품이에요. 연인 간의 살갗이 맞닿는 순간과 그 감촉에 대한 단상을 담아 90여 점의 작품으로 연재했으며, 이후 단행본으로 출간되었습니다. 국내보다 해외에서 더 큰 주목을 받으며, 오랜 무명 시절을 거쳤던 저에게 괄목할 만한 인지도를 안겨준 대표작이 되었습니다.

My most cherished work is "Touch," a series from 2017 to 2019 that captures fleeting moments of skin-to-skin contact between lovers. Consisting of over 90 pieces, it was later published as a book. While it gained more recognition overseas, it became my breakthrough work after years of being unknown.

Q. 주로 어디에서 영감을 받으시나요? 

Where do you mainly draw inspiration from?

사람과의 ‘관계’에서 느끼는 복합적인 감정들을 깊게 들여다보는 과정에서 영감을 받습니다.
특히 ‘애착’과 ‘갈망’에 집중하고 있어요. 경험, 음악, 영화, 문학 등 다양한 경로에서 영감을 얻습니다. 

I draw inspiration from deeply exploring the complex emotions that arise in human relationships—especially feelings of attachment and longing. I also find inspiration through various channels such as personal experiences, music, films, and literature.

Q. 작품을 만들며 가장 보람을 느꼈던 순간은 언제인가요?

When do you feel the most fulfilled while creating your work?

먼저 제 스스로 '몰아'의 상태가 되어 작업을 하는 과정, 그 자체에서 희열을 느낄 때 보람을 느낍니다. 또한, 제가 추구하는 행위와 과정에서 탄생한 결과물이 누군가의 마음을 움직이고 의미가 되었을 때, 그리고 그 소중한 감상을 저에게 전해주실 때 더욱 큰 보람을 느낍니다.

I feel the most fulfillment when I enter a state of deep immersion while creating—when the process itself brings me joy and exhilaration. Beyond that, the greatest reward comes when my work resonates with someone, moves them, or holds meaning for them—especially when they take the time to share their heartfelt thoughts with me.

Q. 디지털 아트와 회화를 모두 작업하시는데, 각각 어떤 매력을 느끼시나요? 두 방식이 표현하는 감성이나 접근 방식에서 차이가 있다면 어떤 점인가요?

You work with both digital and painting. What do you find appealing about each, and how do they differ in expression and approach?

디지털 아트는 수정이 용이하기 때문에 여러 가지 과감한 시도를 할 수 있는 점이 매력입니다. 덕분에 평소 잘 사용해 보지 않았던 낯선 브러시나 색채에 도전해 볼 수 있죠. 마음에 들지 않더라도 언제든 수정이 가능하기 때문에 심리적 장벽이 낮고 자유롭습니다. 반대로 회화 작업은 수정이 불편하다는 점이 오히려 고도의 집중력을 이끌어냅니다. 제 그림 스타일은 구상에 가깝기 때문에, 추상에 비해 상대적으로 도상에 대한 통제가 더 필요해요. 그 과정에서 압박감과 부담이 더 많이 작용하는데, 아이러니하게도 그 긴장과 스트레스가 도파민을 자극합니다. 그리고 제 손 끝에서 ‘만져지는’ 유형의 무언가가 탄생하는 것을 실시간으로 목격하는 것은, 디지털의 그것보다 훨씬 더 극적인 생동감을 줘요. 그래서 초반 에스키스 과정에서는 다양한 시도와 수정을 위해 디지털로 작업한 후, 그것을 정교한 수작업으로 화판에 옮기는 방식으로 작업을 진행합니다.

Digital art offers flexibility, allowing for bold experimentation since mistakes can be easily corrected. This lowers barriers and provides a sense of freedom. In contrast, painting demands intense focus as changes are difficult to make. My figurative style requires precise control, adding pressure—but that tension also fuels creativity. Additionally, seeing a piece physically take shape feels far more dynamic than digital work. That’s why I start digitally for flexibility before refining my work on canvas.

Q. 작가님의 작업실에는 'ZIPCY BAR'도 있고 공간이 굉장히 아름다워요. 작업실을 이렇게 꾸미게 되신 계기가 있나요? 작업실에서 가장 아끼시는 공간이나 아이템도 궁금해요.

Your studio, with its "ZIPCY BAR," has such a beautiful and unique atmosphere. What inspired you to design it this way? Also, do you have a favorite space or item in your studio?

저는 시멘트나 콘크리트의 느낌보다 오래된 나무의 질감과 색감을 좋아하고, 햇살과 사계절을 온전히 느낄 수 있는 큰 창문을 사랑해요. 운이 좋게도 그 모든 게 잘 맞아떨어지는 공간을 발견했어요. 가장 아끼는 공간은 역시 BAR입니다. 디자인 회사 대표님이 이 공간을 사용하셨는데, 바(BAR)를 아주 예쁘게 만들어놓고 나가셨어요. 술을 사랑하는 저로선 꿈에 그리던 공간이었죠. 작업 후 바에 앉아 음악과 함께 가볍게 쉼표를 찍는 순간, 좋아하는 사람들을 초대해서 술과 함께 두런거리는 시간을 사랑해요. 그런 ‘좋음’ 이 충전되면 작업할 때도 양질의 집중을 할 수 있습니다. 가장 아끼는 아이템은 조명들이에요. 무라노 빈티지 조명, 그리고 어시님께서 선물해 주신 유리조명, 세이투셰의 장스탠드가 작업실을 은은하고 따듯하게 밝혀줍니다.

I love the warmth of aged wood and large windows that bring in sunlight and the seasons, and I was lucky to find a space that embodies both. My favorite spot is the BAR, left behind by a design company CEO. As a lover of good drinks, it became my ideal space—perfect for unwinding with music or gathering with friends. That energy fuels my creativity. I also cherish my lighting collection—a vintage Murano lamp, a gifted glass lamp, and a Séytu Ché floor lamp, all casting a warm, inviting glow.

Q. 이번 작품에 대해 설명해주시겠어요?

Can you tell us about your collaboration with SEVEN EIGHT UNDER?

제 작업은 ‘눈빛’과 ‘손’으로 감정을 전달합니다. 표정과 손짓은 절제되어 있지만, 뚜렷한 색채 대비에서 긴장감과 역동성을 증폭시킵니다. 이번 작업 역시 그러한 표현기법을 사용하였고 제 기존 작업들을 재현했어요. 손과 손을 맞잡고 어루만지는 형태에서, 다양한 욕망에 대한 집착(그리움, 소속의 갈망, 온기에 대한 애착, 인정욕 등)을 담았고 손끝을 붉게 물들임으로써 무언가를 강하게 잡은 직후의 압력, 잔상, 온기를 담았습니다. 주변시로 마주보는 인물들은 훨씬 더 조심스러운 농도로 감정을 드러냅니다. 욕망을 한껏 토해내고 싶지만 이게 맞는지, 원해도 괜찮은지 끊임없이 자기 검열을 하죠. 손과 색으로나마 겨우 드러내는 조심성과 이중성을 은유적으로 표현했어요.

My work conveys emotion through eyes and hands—expressions and gestures remain restrained, while strong color contrasts heighten tension and energy. This piece follows the same approach, reflecting my past works. The clasped and caressing hands symbolize attachment to various desires—longing, belonging, warmth, and validation. Their reddened fingertips capture the pressure, afterimage, and lingering warmth of a firm grasp. Figures in peripheral vision reveal emotions more cautiously, torn between expressing desire and self-restraint. Through hands and color, I metaphorically depict this tension and duality.

Q. 만약 이번 작품을 직접 신으신다면, 어떤 스타일링으로 연출해 보고 싶으세요?

If you were to wear this piece yourself, how would you style it?

이번 작업의 핵심 포인트는 민트와 빨강의 보색 대비이기 때문에, 이를 더욱 강조할 수 있도록 아이보리 컬러의 Grunge한 디자인 드레스와 매치해서 그로테스크하게 스타일링하면 멋질 것 같아요. (물론, 제가 직접 소화할 자신은 없지만요.)

Since the key point of this piece is the contrast between mint and red, I’d love to enhance that by pairing it with an ivory-colored grunge-style dress, creating a bold, almost grotesque aesthetic. (Though I’m not sure I could personally pull it off!)

Q. 사람들에게 어떤 아티스트로 기억되고 싶으신가요?

What kind of artist would you like to be remembered as?

제 자신에게 솔직한 작업을 하며, 꾸준히 도전하고 성실하게 작업하는 아티스트로 기억되고 싶어요.

I want to be remembered as an artist who stays true to myself, continuously challenges myself, and works with dedication and sincerity.

Q. 5년 전, 한 인터뷰에서 일러스트레이터를 꿈꾸는 팬들에게 한 말씀을 해달라는 요청에 "너무 어려운 길이니, 안 하셨으면 좋겠다."라고 말씀하신 적이 있는데요. 지금도 같은 생각이신가요?

Five years ago, in an interview, you told aspiring illustrators, "It's a very difficult path, so I wouldn’t recommend it." Do you still feel the same way?

제일 해로운 것은 '해보지 못하고 후회하는 것'이라고 생각해요. 5년 전에는 지금보다 성숙하지 못했고 경제적으로 불안정했기 때문에, 생계에 초점을 맞춘 근시안적인 답변을 했던 것 같아요. 사람마다 생존에 위협을 느끼는 발작 버튼이 모두 다른데, 저의 경우 '안정감'이거든요. 안정감이 확보되지 않으면 극심한 공포를 느끼는 성격이라, 늘 고정수입으로 생계를 꾸리고 투잡으로 꿈에 투자하는 전형적인 '불안형'이었죠. 처음부터 ‘안정’을 목표로 한다면, 고정수입을 포기하고 좋아하는 일을 주업으로 삼는 건 여전히 위험하다고 생각해요. 하지만, ‘불안정’을 감수하더라도 ‘자기 효능감’에 무게를 둔다면 충분히 도전할 만한 길이라고 봅니다. 이 역시 개인의 성향 차이예요. 하고 싶은 것에 마음껏 도전하며 실패와 성취를 모두 경험해 보는 것. 그 과정에서 느끼는 배움들이 사람을 성장시킨다고 믿습니다.

I believe the worst regret is not trying at all. Five years ago, I was less mature and financially unstable, so my answer was short-sighted, focused on survival. Everyone has their own trigger for feeling insecure, and for me, it’s stability. Without it, I felt extreme fear, so I always ensured a steady income while pursuing my dreams as a side job. If stability is the goal, giving up financial security for passion is still risky. But if one is prepared for uncertainty and values self-efficacy, then there’s no issue. Ultimately, it’s a personal choice. I believe true growth comes from fully embracing challenges, experiencing both failure and success, and learning through the process.

Q. 작가님의 최종적인 목표는 무엇인가요?

What is your ultimate goal?

국내뿐 아니라 해외에서도 다양한 전시활동을 하며 폭넓은 경험을 하고 싶어요. 최종적으로는 제 스스로 아주 흡족할 만한 좋은 작품을 그리고 싶습니다. 그렇게 하기 위해서는 테크닉적으로도 정신적으로도 더 경험하고 공부하며 다듬어야 한다고 느낍니다. 아직은 그 단계에 도달하기까지 갈 길이 멀어서, 매번 작업물을 완성시켜놓고 나면 아쉬움이 잔여물처럼 남곤 해요. 하지만 이런 여운까지도 꿈을 위한 연료라고 생각합니다.

I aim to expand my exhibitions both in Korea and internationally, gaining diverse experiences. Ultimately, I want to create a piece that I can be truly satisfied with. To get there, I need to keep refining my skills and mindset through experience and learning. Though I still have a long way to go, and each finished piece leaves a sense of unfinished potential, I see that as fuel driving me toward my dream.