SEVEN EIGHT UNDER Online Store

알림

어릴 적 만화책을 보며 그림을 따라 그렸어요. 더 잘 그리고 싶다는 마음에 자연스럽게 빛과 구조에 의한 정확한 형태를 표현하는 훈련을 해왔어요. 그러다 어느 날 바스키아의 원화를 실제로 보게 됐는데, 낙서 같으면서도 완성도 있는 그림에 큰 충격을 받았고, ‘꼭 정제된 그림만이 좋은 건 아니구나’라는 걸 처음 느낀 순간이었습니다. Bazbon이라는 이름은 바스키아의 자유로움에서 ‘ba’, 게으름(lazy)의 ‘z’, 타고나다(born)의 ‘bon’을 조합해서 만들었어요. 제가 가진 기질이나 한계를 넘어 계속 발전하고 싶다는 의미도 있지만, 사실 조형적으로도 예뻐 보여서 이렇게 짓게 되었습니다.

When I was a kid, I’d copy drawings from comic books and naturally learned to understand a form through light and structure. Seeing a Basquiat original in person changed everything—it looked like a doodle, but had such style and completeness. That’s when I realized art doesn’t need to be polished to be powerful. The name “Bazbon” comes from that moment: “ba” from Basquiat, “z” from lazy, and “bon” from born. It reflects my desire to keep growing as an artist—and honestly, I just liked how it looked.

어릴 때부터 자연스럽게 영향을 받아온 것 같아요. 드래곤볼이나 힙합 같은 만화를 보며 그림을 따라 그리고, 친구들 이름을 그래피티처럼 써주는 걸 놀이처럼 좋아서 했어요. 시간이 지나면서 그림을 대하는 태도는 조금 달라졌지만, 단순히 ‘좋아서 그린다’는 그 첫 감각은 여전히 작업의 중요한 원동력이에요. 되돌아보면 제가 좋아했던 것들은 대부분 서브컬처에 속해 있었던 것 같아요. 정의로운 손오공보다는 열등감 많은 베지터에게 끌렸고, 대중적인 사랑 노래보다는 언더그라운드 힙합이나 비주류 록을 찾아 들었어요. 주류보다는 조금 비켜선 문화들이 더 재미있고 진짜 같았어요. 그런 비주류 문화가 가진 에너지와 태도는 자연스럽게 제 작업에 녹아들었고, 지금의 취향이나 표현 방식에도 큰 영향을 준 것 같아요.

It started naturally—I grew up drawing characters from comics like Dragon Ball and writing friends’ names in graffiti style, just because it was fun. That pure joy of drawing is still a big part of what keeps me going. Most of what I loved back then belonged to subculture. I was drawn more to Vegeta’s pride and flaws than Goku’s heroism, and I preferred underground hip-hop or rock over mainstream music. Those offbeat, raw cultures always felt more honest to me. That spirit naturally found its way into my work and still shapes how I see and express things today.

안다즈 호텔과의 프로젝트가 기억에 남아요. 무엇보다 호텔과의 협업은 처음이었고, 특히 안다즈 호텔의 한식 레스토랑인 ‘조각보 키친’의 음식 경험을 토대로 작업을 해야 한다는 점이 흥미로웠어요. 헤드 셰프님께서 저와의 협업을 위해 새로운 코스를 개발하기도 하셨고, 저도 그 요리들에서 영감을 받아 작업했죠. 각자의 방식으로 창작한 결과물이 하나의 공간 안에서 어우러졌어요. 완성된 그림들은 레스토랑 공간에 1년 동안 전시되어, 음식과 함께 감상할 수 있었고요. 무엇보다 함께했던 분들 모두가 정말 따뜻하고 유쾌해서, 지금도 좋은 기억으로 남아 있습니다.

The project with Andaz Hotel really stands out. It was my first time collaborating with a hotel, and the concept—creating artwork inspired by the dining experience at their Korean restaurant, Jogaekbo Kitchen—was fascinating. The head chef even developed a new course just for the project, and I created my pieces based on those dishes. Our work came together in one space, blending food and art in a unique way. The final pieces were displayed in the restaurant for a year, becoming part of the overall experience. And above all, the team I worked with was so warm and genuine—it’s a collaboration I still look back on fondly.

아티스트가 원하는 지점을 정확히 캐치하는 게 가장 중요하다고 생각해요. 어떤 이미지를 기대하고 있는지, 어떤 감정이나 분위기를 전달하고 싶은지를 이해하는 것부터 시작하죠. 그 지점을 중심으로 아이디어나 이미지를 확장시키는 게 제 역할이라고 봅니다. 주로 아티스트와 이야기를 나누거나, 트랙을 반복해서 들으면서 앨범 전체가 가진 무드와 감정을 파악하려고 해요. 음악을 시각적으로 번역하는 작업인 만큼, 구체적인 설명보다는 음악과 뮤지션이 가진 ‘느낌’에 집중하는 편입니다. 그리고 저는 이 과정을 단순히 ‘그림을 맡아서 그려주는’ 단계로 보지 않아요. 서로의 영역을 존중하면서 하나의 작품을 함께 만든다는 마음으로 접근해요. 그런 태도가 있을 때, 음악과 이미지가 자연스럽게 호흡하는 진짜 앨범 아트가 나온다고 믿어요.

To me, the most important part is understanding what the artist wants to express—what kind of image, mood, or emotion they’re aiming for. From there, I expand the visuals around that core idea. I usually talk with the artist or listen to the tracks on repeat to get a feel for the overall mood. Since it’s about translating sound into visuals, I focus less on specifics and more on the feeling the music carries. I don’t see it as just “drawing something for them”—it’s about creating one cohesive piece together, with mutual respect. That’s when the visuals and music truly come alive as one.

모든 작업에 애착이 있어서 하나를 딱 고르긴 어려워요. 마음에 든 작업은 그 자체로, 아쉬운 작업은 또 그만큼 정이 가는 법이니까요. Shady는 제가 주로 그리는 구조 중심의 표현 방식과는 전혀 다른 결에서 시작된 캐릭터예요. 시그니처 표정을 제외하면 색도, 선도, 면도 없어요. 굉장히 단순하죠. 처음엔 디자인 그래픽으로 활용되길 바라며 만든 캐릭터였는데, 지금은 그 이상으로 제 작업 안에서 다양한 역할을 맡고 있어요. 그림에 틈을 주기도 하고, 감정을 대변하거나, 때론 그저 존재하기도 합니다. 검은 실루엣에 반항적인 표정만 보면 악마처럼 보일 수도 있지만, 제 작업 안에선 오히려 그런 시선을 유쾌하게 비트는, 귀엽고 장난기 있는 존재로 등장해요. 외형은 단순하지만, 그 안엔 제 감정과 시선, 예술에 대한 태도가 담겨 있다고 생각해요.

It’s hard to choose just one—I feel attached to all my works in different ways. Shady started from a very different place than my usual structure-based work. Aside from its signature expression, it has no lines, colors, or shapes—just a simple, minimal form. It was originally meant for graphic use, but now it plays many roles in my work: expressing emotion, creating space, or just being there. Its dark silhouette and rebellious face might seem devilish, but I like to flip that perception—making it playful, even charming. It’s simple on the outside, but it carries a lot of how I feel and how I see art.

결국엔 전부 ‘그리는 일’이니까요. 도구만 다를 뿐, 무엇을 그린다는 행위의 본질은 같다고 생각해요. 그래서 일러스트든 페인팅이든 그저 그리면 되는 거였죠. 물성이 다른 재료들을 경험해 보는 것은 재미있는 일이에요. 연필로 선을 긋는 것과 스프레이를 뿌리는 것처럼 재료마다 표현되는 질감과 감각이 다 달라요. 그런 차이에서 오는 자극이 그림을 그리는 또 하나의 재미에요. 요즘은 어떤 작업이 종이에 어울릴지, 캔버스나 벽에 있을 때 더 살아날지를 함께 고민하며 매체와 방식을 조합해가고 있어요.

To me, it’s all just drawing—the tools may change, but the essence is the same. I’ve always followed what feels natural, whether it’s illustration or painting. Each material offers a different feel. Drawing with pencil, brushing paint, or using spray paint all bring unique sensations, and that variation keeps things exciting. These days, I try to match the medium to the work—thinking about whether it fits better on paper, canvas, or a wall.

세븐에잇언더의 초기 모델을 처음 신었을 때가 기억나요. 미드솔 디자인이 굉장히 신선했고, 이후 다양한 아티스트와의 협업이나 마케팅도 인상 깊었어요. 최근엔 신발 자체도 더 발전했다는 게 느껴져서, 세븐에잇언더가 브랜드 철학처럼 묵묵히, 꾸준히 걸어온 길이 멋지다는 생각이 들었어요. 응원하던 브랜드와 협업하게 되어 기분이 좋았습니다. 저도 평소 신발을 정말 좋아해서, ‘신발’을 주제로 작업할 수 있다는 게 굉장히 즐거웠어요. 신발을 자주 그리긴 하지만, 실제 커스텀 작업은 훨씬 더 많은 고민이 필요해요. 단순히 그림을 얹는 게 아니라, 신발의 형태와 재질, 브랜드의 느낌까지 고려해 좀 더 과감하고 재미있게 표현하고 싶거든요. 그리고 완성된 신발이 내가 신고 싶어질 정도라면, 그보다 더 좋은 결과는 없다고 생각해요.

I remember trying one of SEVEN EIGHT UNDER’s early models—the midsole design felt really fresh. Their artist collaborations and overall direction were impressive, and lately the shoes feel even more refined. You can tell they’ve been quietly and consistently growing, which I admire. So I was genuinely happy to work with a brand I’ve been supporting. I’ve always loved sneakers, so working with them as a canvas was exciting. I often draw shoes, but customizing them takes more thought—beyond just adding artwork, it’s about considering the shape, material, and brand vibe. If I end up wanting to wear the final piece myself, that means it worked.

이번 작품은 ‘인생의 양면성’을 주제로 작업했어요. 좌우 신발에는 기존 컬러 중 가장 어두운 ‘애쉬 블랙’과 가장 밝은 ‘오프 화이트’를 각각 사용했는데, 애쉬 블랙은 고난과 시련, 오프 화이트는 희망과 용기, 행복을 상징합니다. 각 신발은 서로의 일부를 뜯어 반대편에 붙였어요. 밝음과 어두움은 완전히 나뉠 수 없고, 결국 서로 공존하고 보완되는 관계라는 걸 상징적으로 보여주고 싶었어요. 이렇게 서로의 조각을 나눠 가진 한 쌍의 신발은 인생의 복합적인 모습을 담고 있어요. 빛과 어둠, 오르막과 내리막이 반복되는 우리 삶처럼요. 결국 인생이란 왼발과 오른발을 번갈아 내딛으며 나아가는 여정이라는 생각이 들었어요. 고난과 역경 끝엔 반드시 회복과 성장, 그리고 다시 희망이 찾아온다는 믿음을 담았고, 이 작업이 누군가에게 작은 위로나 앞으로 나아갈 용기가 되었으면 합니다.

This piece is about the duality of life. I used Ash Black on the left shoe to represent hardship, and Off White on the right to symbolize hope and happiness. Each shoe has a piece taken from the other, showing that light and darkness aren’t separate—they coexist and complete one another. The pair reflects life’s ups and downs, like walking through both climbs and descents. It’s based on the idea that life moves forward step by step, left and right. I wanted this piece to convey the belief that after struggle, there’s always growth and hope—and maybe offer a bit of comfort to someone who needs it.

어릴 적 제가 드래곤볼 같은 만화를 보며 그림을 시작했던 것처럼, 제 작업이나 태도가 누군가에게 작게라도 영향을 줄 수 있다면 좋겠어요. 꼭 제 그림을 따라 그리지 않더라도, 뭔가를 시작해 보게 만드는 계기가 된다면 그걸로 충분할 것 같아요.

Just like I started drawing as a kid after watching Dragon Ball, I hope my work or attitude can inspire someone else—even in a small way. It doesn’t have to be someone copying my art. If it simply makes them want to start something of their own, that’s more than enough for me.

누구나 자기만의 속도로 걸어가고 있다고 생각해요. 빠르든 느리든, 멈춰 있는 것처럼 보여도 결국엔 나아가고 있는 거니까요. 저도 그렇지만, 가끔은 그냥 버틴다는 느낌으로 하루를 보내는 날도 있잖아요. 그런 날들이 쌓여서 결국 우리를 어디론가 데려다주는 것 같아요. 조급해하지 않았으면 좋겠어요. 스스로의 걸음을 믿고, 각자의 방식대로 천천히 계속 걸어가길 응원합니다.

I believe everyone walks at their own pace. Whether fast, slow, or seemingly still, we’re all moving forward in our own way. There are days when just getting through feels like all we can do—and that’s okay. Those days stack up and eventually carry us somewhere. So don’t rush. Trust your own steps, and keep going—slowly, in your own way. I’ll be cheering you on.

배즈본
Bazbon

Light / Shadow

어릴 적 만화책을 보며 그림을 따라 그렸어요. 더 잘 그리고 싶다는 마음에 자연스럽게 빛과 구조에 의한 정확한 형태를 표현하는 훈련을 해왔어요. 그러다 어느 날 바스키아의 원화를 실제로 보게 됐는데, 낙서 같으면서도 완성도 있는 그림에 큰 충격을 받았고, ‘꼭 정제된 그림만이 좋은 건 아니구나’라는 걸 처음 느낀 순간이었습니다. Bazbon이라는 이름은 바스키아의 자유로움에서 ‘ba’, 게으름(lazy)의 ‘z’, 타고나다(born)의 ‘bon’을 조합해서 만들었어요. 제가 가진 기질이나 한계를 넘어 계속 발전하고 싶다는 의미도 있지만, 사실 조형적으로도 예뻐 보여서 이렇게 짓게 되었습니다.

When I was a kid, I’d copy drawings from comic books and naturally learned to understand a form through light and structure. Seeing a Basquiat original in person changed everything—it looked like a doodle, but had such style and completeness. That’s when I realized art doesn’t need to be polished to be powerful. The name “Bazbon” comes from that moment: “ba” from Basquiat, “z” from lazy, and “bon” from born. It reflects my desire to keep growing as an artist—and honestly, I just liked how it looked.

어릴 때부터 자연스럽게 영향을 받아온 것 같아요. 드래곤볼이나 힙합 같은 만화를 보며 그림을 따라 그리고, 친구들 이름을 그래피티처럼 써주는 걸 놀이처럼 좋아서 했어요. 시간이 지나면서 그림을 대하는 태도는 조금 달라졌지만, 단순히 ‘좋아서 그린다’는 그 첫 감각은 여전히 작업의 중요한 원동력이에요. 되돌아보면 제가 좋아했던 것들은 대부분 서브컬처에 속해 있었던 것 같아요. 정의로운 손오공보다는 열등감 많은 베지터에게 끌렸고, 대중적인 사랑 노래보다는 언더그라운드 힙합이나 비주류 록을 찾아 들었어요. 주류보다는 조금 비켜선 문화들이 더 재미있고 진짜 같았어요. 그런 비주류 문화가 가진 에너지와 태도는 자연스럽게 제 작업에 녹아들었고, 지금의 취향이나 표현 방식에도 큰 영향을 준 것 같아요.

It started naturally—I grew up drawing characters from comics like Dragon Ball and writing friends’ names in graffiti style, just because it was fun. That pure joy of drawing is still a big part of what keeps me going. Most of what I loved back then belonged to subculture. I was drawn more to Vegeta’s pride and flaws than Goku’s heroism, and I preferred underground hip-hop or rock over mainstream music. Those offbeat, raw cultures always felt more honest to me. That spirit naturally found its way into my work and still shapes how I see and express things today.

안다즈 호텔과의 프로젝트가 기억에 남아요. 무엇보다 호텔과의 협업은 처음이었고, 특히 안다즈 호텔의 한식 레스토랑인 ‘조각보 키친’의 음식 경험을 토대로 작업을 해야 한다는 점이 흥미로웠어요. 헤드 셰프님께서 저와의 협업을 위해 새로운 코스를 개발하기도 하셨고, 저도 그 요리들에서 영감을 받아 작업했죠. 각자의 방식으로 창작한 결과물이 하나의 공간 안에서 어우러졌어요. 완성된 그림들은 레스토랑 공간에 1년 동안 전시되어, 음식과 함께 감상할 수 있었고요. 무엇보다 함께했던 분들 모두가 정말 따뜻하고 유쾌해서, 지금도 좋은 기억으로 남아 있습니다.

The project with Andaz Hotel really stands out. It was my first time collaborating with a hotel, and the concept—creating artwork inspired by the dining experience at their Korean restaurant, Jogaekbo Kitchen—was fascinating. The head chef even developed a new course just for the project, and I created my pieces based on those dishes. Our work came together in one space, blending food and art in a unique way. The final pieces were displayed in the restaurant for a year, becoming part of the overall experience. And above all, the team I worked with was so warm and genuine—it’s a collaboration I still look back on fondly.

아티스트가 원하는 지점을 정확히 캐치하는 게 가장 중요하다고 생각해요. 어떤 이미지를 기대하고 있는지, 어떤 감정이나 분위기를 전달하고 싶은지를 이해하는 것부터 시작하죠. 그 지점을 중심으로 아이디어나 이미지를 확장시키는 게 제 역할이라고 봅니다. 주로 아티스트와 이야기를 나누거나, 트랙을 반복해서 들으면서 앨범 전체가 가진 무드와 감정을 파악하려고 해요. 음악을 시각적으로 번역하는 작업인 만큼, 구체적인 설명보다는 음악과 뮤지션이 가진 ‘느낌’에 집중하는 편입니다. 그리고 저는 이 과정을 단순히 ‘그림을 맡아서 그려주는’ 단계로 보지 않아요. 서로의 영역을 존중하면서 하나의 작품을 함께 만든다는 마음으로 접근해요. 그런 태도가 있을 때, 음악과 이미지가 자연스럽게 호흡하는 진짜 앨범 아트가 나온다고 믿어요.

To me, the most important part is understanding what the artist wants to express—what kind of image, mood, or emotion they’re aiming for. From there, I expand the visuals around that core idea. I usually talk with the artist or listen to the tracks on repeat to get a feel for the overall mood. Since it’s about translating sound into visuals, I focus less on specifics and more on the feeling the music carries. I don’t see it as just “drawing something for them”—it’s about creating one cohesive piece together, with mutual respect. That’s when the visuals and music truly come alive as one.

모든 작업에 애착이 있어서 하나를 딱 고르긴 어려워요. 마음에 든 작업은 그 자체로, 아쉬운 작업은 또 그만큼 정이 가는 법이니까요. Shady는 제가 주로 그리는 구조 중심의 표현 방식과는 전혀 다른 결에서 시작된 캐릭터예요. 시그니처 표정을 제외하면 색도, 선도, 면도 없어요. 굉장히 단순하죠. 처음엔 디자인 그래픽으로 활용되길 바라며 만든 캐릭터였는데, 지금은 그 이상으로 제 작업 안에서 다양한 역할을 맡고 있어요. 그림에 틈을 주기도 하고, 감정을 대변하거나, 때론 그저 존재하기도 합니다. 검은 실루엣에 반항적인 표정만 보면 악마처럼 보일 수도 있지만, 제 작업 안에선 오히려 그런 시선을 유쾌하게 비트는, 귀엽고 장난기 있는 존재로 등장해요. 외형은 단순하지만, 그 안엔 제 감정과 시선, 예술에 대한 태도가 담겨 있다고 생각해요.

It’s hard to choose just one—I feel attached to all my works in different ways. Shady started from a very different place than my usual structure-based work. Aside from its signature expression, it has no lines, colors, or shapes—just a simple, minimal form. It was originally meant for graphic use, but now it plays many roles in my work: expressing emotion, creating space, or just being there. Its dark silhouette and rebellious face might seem devilish, but I like to flip that perception—making it playful, even charming. It’s simple on the outside, but it carries a lot of how I feel and how I see art.

결국엔 전부 ‘그리는 일’이니까요. 도구만 다를 뿐, 무엇을 그린다는 행위의 본질은 같다고 생각해요. 그래서 일러스트든 페인팅이든 그저 그리면 되는 거였죠. 물성이 다른 재료들을 경험해 보는 것은 재미있는 일이에요. 연필로 선을 긋는 것과 스프레이를 뿌리는 것처럼 재료마다 표현되는 질감과 감각이 다 달라요. 그런 차이에서 오는 자극이 그림을 그리는 또 하나의 재미에요. 요즘은 어떤 작업이 종이에 어울릴지, 캔버스나 벽에 있을 때 더 살아날지를 함께 고민하며 매체와 방식을 조합해가고 있어요.

To me, it’s all just drawing—the tools may change, but the essence is the same. I’ve always followed what feels natural, whether it’s illustration or painting. Each material offers a different feel. Drawing with pencil, brushing paint, or using spray paint all bring unique sensations, and that variation keeps things exciting. These days, I try to match the medium to the work—thinking about whether it fits better on paper, canvas, or a wall.

세븐에잇언더의 초기 모델을 처음 신었을 때가 기억나요. 미드솔 디자인이 굉장히 신선했고, 이후 다양한 아티스트와의 협업이나 마케팅도 인상 깊었어요. 최근엔 신발 자체도 더 발전했다는 게 느껴져서, 세븐에잇언더가 브랜드 철학처럼 묵묵히, 꾸준히 걸어온 길이 멋지다는 생각이 들었어요. 응원하던 브랜드와 협업하게 되어 기분이 좋았습니다. 저도 평소 신발을 정말 좋아해서, ‘신발’을 주제로 작업할 수 있다는 게 굉장히 즐거웠어요. 신발을 자주 그리긴 하지만, 실제 커스텀 작업은 훨씬 더 많은 고민이 필요해요. 단순히 그림을 얹는 게 아니라, 신발의 형태와 재질, 브랜드의 느낌까지 고려해 좀 더 과감하고 재미있게 표현하고 싶거든요. 그리고 완성된 신발이 내가 신고 싶어질 정도라면, 그보다 더 좋은 결과는 없다고 생각해요.

I remember trying one of SEVEN EIGHT UNDER’s early models—the midsole design felt really fresh. Their artist collaborations and overall direction were impressive, and lately the shoes feel even more refined. You can tell they’ve been quietly and consistently growing, which I admire. So I was genuinely happy to work with a brand I’ve been supporting. I’ve always loved sneakers, so working with them as a canvas was exciting. I often draw shoes, but customizing them takes more thought—beyond just adding artwork, it’s about considering the shape, material, and brand vibe. If I end up wanting to wear the final piece myself, that means it worked.

이번 작품은 ‘인생의 양면성’을 주제로 작업했어요. 좌우 신발에는 기존 컬러 중 가장 어두운 ‘애쉬 블랙’과 가장 밝은 ‘오프 화이트’를 각각 사용했는데, 애쉬 블랙은 고난과 시련, 오프 화이트는 희망과 용기, 행복을 상징합니다. 각 신발은 서로의 일부를 뜯어 반대편에 붙였어요. 밝음과 어두움은 완전히 나뉠 수 없고, 결국 서로 공존하고 보완되는 관계라는 걸 상징적으로 보여주고 싶었어요. 이렇게 서로의 조각을 나눠 가진 한 쌍의 신발은 인생의 복합적인 모습을 담고 있어요. 빛과 어둠, 오르막과 내리막이 반복되는 우리 삶처럼요. 결국 인생이란 왼발과 오른발을 번갈아 내딛으며 나아가는 여정이라는 생각이 들었어요. 고난과 역경 끝엔 반드시 회복과 성장, 그리고 다시 희망이 찾아온다는 믿음을 담았고, 이 작업이 누군가에게 작은 위로나 앞으로 나아갈 용기가 되었으면 합니다.

This piece is about the duality of life. I used Ash Black on the left shoe to represent hardship, and Off White on the right to symbolize hope and happiness. Each shoe has a piece taken from the other, showing that light and darkness aren’t separate—they coexist and complete one another. The pair reflects life’s ups and downs, like walking through both climbs and descents. It’s based on the idea that life moves forward step by step, left and right. I wanted this piece to convey the belief that after struggle, there’s always growth and hope—and maybe offer a bit of comfort to someone who needs it.

어릴 적 제가 드래곤볼 같은 만화를 보며 그림을 시작했던 것처럼, 제 작업이나 태도가 누군가에게 작게라도 영향을 줄 수 있다면 좋겠어요. 꼭 제 그림을 따라 그리지 않더라도, 뭔가를 시작해 보게 만드는 계기가 된다면 그걸로 충분할 것 같아요.

Just like I started drawing as a kid after watching Dragon Ball, I hope my work or attitude can inspire someone else—even in a small way. It doesn’t have to be someone copying my art. If it simply makes them want to start something of their own, that’s more than enough for me.

누구나 자기만의 속도로 걸어가고 있다고 생각해요. 빠르든 느리든, 멈춰 있는 것처럼 보여도 결국엔 나아가고 있는 거니까요. 저도 그렇지만, 가끔은 그냥 버틴다는 느낌으로 하루를 보내는 날도 있잖아요. 그런 날들이 쌓여서 결국 우리를 어디론가 데려다주는 것 같아요. 조급해하지 않았으면 좋겠어요. 스스로의 걸음을 믿고, 각자의 방식대로 천천히 계속 걸어가길 응원합니다.

I believe everyone walks at their own pace. Whether fast, slow, or seemingly still, we’re all moving forward in our own way. There are days when just getting through feels like all we can do—and that’s okay. Those days stack up and eventually carry us somewhere. So don’t rush. Trust your own steps, and keep going—slowly, in your own way. I’ll be cheering you on.