Q. 자기소개 부탁드립니다.

Please introduce yourself.

펜 드로잉으로 도시의 모습을 그려내는 설동주라고 합니다.

Hi, I'm Dongju Seol, an illustrator who specializes in pen drawings of city landscapes.

Q. 펜드로잉 작품을 많이 보여주시는데, 시작하게 되신 계기가 있으신가요?

How did you start working with pen drawings?

중학생 때부터 화가가 되어야 겠다고 생각을 하고, 여러 컨텐츠를 접하던 중에 애니메이션에 꽂혀서 전공까지 했어요. 졸업 후엔 물흐르듯 광고 회사에 갔죠. 그렇게 광고회사를 다니다가 마우스로만 반복적으로 작업하는 것에 현타가 오더라고요. 그래서 '그림을 즐겁게 그렸던 때로 돌아가고 싶다'는 생각이 들어, 회사를 그만 두고 호주로 갔어요. 그렇게 호주에서 '1년 동안 그림으로만 먹고 살자'라는 목표로 길에서 그림을 그리고 팔았죠. 사람들의 캐리커쳐를 그려주며 말보다 그림으로 소통하는 것이 편해지기 시작하더라고요. 그러면서 호주의 풍경들을 기록하게 되었는데, 그 기록을 했던 도구가 몰스킨 노트랑 만년필 펜이었어요. 그게 시작이었던 것 같아요.

I've had a calling to become a painter since middle school. After exploring various types of art, I became interested in animation and ended up majoring in it, which eventually led me to work at an advertising company. However, after years of repetitive work using only a mouse, I became frustrated and realized that I wanted to go back to when I enjoyed drawing. That's why I quit my job and flew to Australia. There, I set a goal of 'living only off of art for a year' and started selling drawings on the street. I mainly drew caricatures of people, which made me comfortable communicating through art more than words. Then I started exploring the landscapes of Australia and recorded them with a Moleskine notebook and a fountain pen - that was the beginning of my pen drawings.

Q. 일상적인 풍경을 주로 그리시는데, 어떤 기준으로 작품이 될 장면을 선택하시나요? 

You mainly depict everyday landscapes. What criteria do you use to select the scenes to draw?

평소 사진 찍는 걸 좋아하다 보니 사진으로 다양한 풍경을 수집하는 것에 의미를 느껴요. 그 중 이제 곧 못 보게 될... 사라지는 풍경, 혹은 한 번 더 시선이 가는 풍경에 무언가 있을 거라는 생각을 하고, 그 과정에서 '왜 저기에 시선이 갔지?', '내가 이게 좋았구나' 하는 것들을  찾게 되기도 해요.

I often take pictures since I find meaning in collecting various landscapes. Among them, I focus more on the scenes that would soon disappear or take my eyes once more, asking myself 'Why was I drawn to it?" "Oh, I appreciated this."

Q. 사라지는 것들에 대한 아쉬움이 있어요?

Do you feel sorry for things that disappear?

남겨진 것들, 소외된다고 해야하나? 그런 것들에 시선이 가는 것 같아요. 파노라마 크리처스 전시 작업 같은 경우에도 가치가 없이 소외되는 이미지를 다시 살려내고 싶다는 의미로 접근을 하게 됐고, 을지로 수집 작업도 빠르게 변하는 모습 속에서 잊혀지게 될 모습들을 남기고 싶다는 마음에서 시작하게 됐어요. 그런 맥락이 제 안에서 계속 반복 되는 느낌을 받고 있습니다.

Residues, or rather, marginalized things, captivate my eyes naturally. In the case of the Panorama Creatures exhibition work, I approached it with a desire to revive something worthless and discarded. For the Euljiro Collection, I recorded images that would be forgotten in a rapidly changing time. I get the feeling that such a context repeats itself over and over again within me.

Q. 세븐에잇언더와의 협업 작품에 대해 소개 부탁드립니다.

Please introduce the work you did with SEVEN EIGHT UNDER.

제가 주로 여행을 하면서 걷는 속도로만 볼 수 있는 풍경을 기록하는데, 이렇게 도시의 모습을 기록하는 것을 '시티 트레킹'이라고 부릅니다. 그런데 마침, 세븐에잇언더 신발에 딱 그런 표현들이 이미 담겨있는거에요. '이건 완전 시티 트레커를 위한 신발이네!'라는 생각이 든거죠. 그래서 도시 사람들의 모습을 한번 미니멀하고 심플하게 담아보았어요. 정말 저도 신고 다니고 싶을 정도로요. 한쪽에는 도시의 모습을, 다른 쪽에는 사람들의 모습을 추상적으로 심플하게 그려봤고, 펜드로잉 작업처럼 흑백의 느낌으로 구성했습니다. 그리고 신발 소재가 다양해서 재료에 대한 실험도 여러 방향으로 해보면서 되게 재밌게 작업했어요.

When I travel, I usually record sceneries that can only be seen at walking speed, and such activity is called 'city trekking.' Coincidentally, SEVEN EIGHT UNDER sneakers already had exactly the same expressions, immediately making me think these were shoes for city trekkers! So I tried to capture the city people in a minimalistic way to the point where I would really want to wear them. I drew the city on one side and the people on the other abstractly and simply in black and white like a pen drawing. Also, I had a lot of fun experimenting with materials since there were various types of materials used for the shoes.

Q. 해당 메세지가 담긴 디테일/하이라이트를 몇 가지 짚어주시겠나요?

Could you highlight some of the details and highlights of the work?

제 그림도 그냥 직선을 직선으로 그리지 않고 선에 떨림을 많이 주는 편인데, 여기에도 라인에 구불구불한 디테일을 추가했어요. 안쪽에는 '시티 트레킹'이라는 텍스트로 시선을 모으는 동시에, 패턴처럼 보여질 수 있게 순서를 뒤죽박죽 해놨어요. 또 원래 밝은 아이보리 색의 미드솔과 밑창에 반전을 주는 것도 재밌을 것 같아 블랙으로 칠했고, 걸으면서 이 검은 부분이 까지며 하얘지는 것도 재밌을 것 같아요.

Like the lines in my drawings that are not just straight but have a lot of vibration, I added those winding details here. The text 'City Trekking' captures the viewers' eyes inside, and its order is jumbled to make it like a pattern. Also, I thought it would be fun to give a twist to the original bright ivory color midsole and outsole by painting it black. Seeing this black part peeling off as you walk on them would be fun.

Q. 다른 작가들과 차별되는 '설동주'라는 아이덴티티는 무엇일까요?

How would you define your identity that differentiates you from other artists?

항상 고민하는 부분이지만, 사진과 비슷하게 그리려고 하는 펜드로잉 작가분들이 많아, 많이들 그리는 풍경, 구도는 최대한 피하려고 해요. '이런 시선도 있습니다.' '이렇게도 볼 수 있을 것 같아요,' '이런 풍경은 이렇게도 볼 수 있죠' 라는 식으로, 사람들의 시야를 넓히는데 도움이 되는 작업을 하는게 저만의 스타일이지 않을까 합니다.

I always ponder this, and I think my uniqueness comes from offering a unique perspective on the landscape and matters. I try to widen people's views by staying away from typical landscapes and compositions, parting myself from many pen drawing artists that try to mimic the details of photography.

Q. 계속 무언가 새로운 걸 끊임없이 도전할 수 있는 본인만의 원동력이 있나요?

What's your source of motivation to keep experimenting with the new?

일단 똑같은 걸 반복하는걸 별로 안 좋아하고 새로운 것을 파고 싶어하는 성격이에요. 그리고 제가 좋아하는 작가 중 한 명이 데이비드 호크니인데, 젊었을 때 작업한 것들이 가장 유명한 작업임에도 불구하고 자기 복제를 하지 않고 새로운 스타일들을 끝없이 만들어오는 게 멋져보였어요. 저도 그런 새로운 스타일을 탐구하는게 재밌고, 이런 도전을 통해서 또 다른 얘기를 할 수 있다고 생각해 계속 다양한 시도를 하게 되는 것 같아요.

First of all, I don't really like repeating myself in work and life. And David Hockney is one of the greatest sources of inspiration since I very much admire his continuous effort to establish new styles even until now when his most well-known artworks are from his early stage. I want to keep enjoying trying new things as well, and I look forward to telling more various stories through these challenges.

Q. 세븐에잇언더의 신발을 신고 가고 싶으신 곳이 있을까요?

Is there any place you would like to go with SEVEN EIGHT UNDER?

''걷는다'라는 의미가 담겨 있는 신발이다 보니, 시티 트레킹을 할 때 신었거든요. 그랬더니 사람들이 "무슨 신발이야? 뭐 이런게 있어?"라고 물어보더라고요. 앞으로 시티 트레킹 작업을 하면서 "이거 시티 트레커의 신발이야"라고 얘기해보고 싶고, 함께 계속 트레킹을 했으면 좋겠어요.

Since these shoes carry the meaning of 'walking,' I wore them while trekking in the city. Then people asked, "What kind of shoes are these? I've never seen something like that!" So in the future, I want to reply by saying, "These are city trekkers' shoes," and I hope we will continue trekking.

Q. 마지막으로, 각자만의 '멈추지 않는 걸음'으로 나아가고 계시는 분들께 응원의 말씀 혹은 조언을 해주신다면?

Lastly, any words of encouragement or advice to those who 'keep marching for their dreams'?

제가 뭐 조언을 할 수 있는 건 아니지만 그냥 재밌는 거, 좋아하는 거를 한다는 게 되게 큰 용기고 어려움인데 그래도 계속 해보시면 좋을 것 같아요. 생각이 항상 들고 그런 고민을 많이 하시잖아요. 용기를 내서 계속 하고 싶은 것들을 하지 못하는 분들이 많은데 막상 거기서 또 용기를 내서 하는 모습을 보면 또 괜찮더라고요 생각보다 괜찮고 살아져요. 용기 내고 하고 싶은 거 더 많이 하시면서 살면 좋겠다는 생각이 듭니다.

I'm not in a position to give any advice, but I'd like to encourage them to keep doing what they like and have fun. It takes a lot of courage to overcome the worries and anxieties, but it often becomes pretty okay once you take one step forward. Cheer up, and hope we all can enjoy life by doing what we love.

Q. 간단한 자기소개 부탁드립니다.

Please introduce yourself.

안녕하세요 저는 가죽 금속 나무등으로 작업하는 김현이라고합니다. 조형을 하고, 실제 쓸 수 있는 작품을 만듭니다.

Hello, I am Hyun Kim, working mainly with leather, metal, and wood. I sculpt and create works that are practical in life.

Q. 주로 어떤 것을 모티브로 작업하시나요? (작업을 시작하는 계기, 주로 다루시는 소재/영감)

What are your motives for creating artwork?

살면서 느끼는 강박과 잠들면 어김없이 찾아오는 악몽들 그 속에 일상적이지 않은 많은 것들을 눈에 담고 그것들을 현실에 재료들로 표현하는 작업을 합니다.

The obsession I feel in life, the nightmares that come without fail when I fall asleep - I try to take in many unusual things in those moments and express them in reality with different materials.

Q. 가죽과 금속공예를 선택하신 이유는 무엇인가요? 

How did you choose to start working with leather and metal?

금속의 무겁고 차가운 느낌을 좋아합니다. 또 차갑지만 결과물을 몸에 착용하면 온도가 피부와 동일시되는 부분에서도 금속에 오묘한 매력을 느낍니다. 차갑다는 것이 결국 차가우니까 따뜻해질 수도 있다는 말을 담고 있다는 생각도 들고요. 가죽의 경우에는 따뜻하고 차가운 소재를 모두 쓰고, 작고 많은 디테일들까지 구현할 수 있는 장점이 있어서 많이 쓰는 편입니다. 순간순간 생각나는 것들을 수작업으로 작업하다 보면 예측하지 못한 나만의 색을 만나게 되기도 하는 것 같습니다.

I like the heavy and cold feel of the metal and find more charms in their ability to carry minor details. The essence of metal is cold, but it has a subtle charm of changing the temperature to that of your body when you wear them. It can be seen as having the potential to be warm because it is cold already. As for leathers, I use both cold and warm ones a lot because of their strength in carrying small and big details. When I create things that come to my mind with two hands, I sometimes discover a new style quite unexpectedly.

Q. ''DARKNESS MOST BEAUTIFUL'이라는 메시지를 작품에 많이 담으시는데, 어떤 의미가 있으신가요? 

The message 'DARKNESS MOST BEAUTIFUL' is often found in your work - could you tell us more about it? What does it mean to you and your work?

가장 어두울 때 작은 빛 하나가 더 밝고 아름다울 수 있듯이 모든 아름다움을 극대화할 수 있는 것 또한 어둠의 아름다움이라는 의미를 두고 있습니다. 또 어둠을 색으로 말하면 블랙이라고 할 수 있는데, 물감을 다 섞었을 때 나오는 색이기도 합니다. 모든 색을 간직한 색이 블랙인 거죠. 더불어서 가죽 작업을 할 때 유색 가죽이나 페이튼 가죽들을 쓰면 처음에는 예뻐 보이는데, 시간이 지나면 지겨워집니다. 그런데 블랙을 바탕으로 디테일을 쌓아나가면 지겨워지지 않습니다.  이러한 공정은 어려운 작업이고 도전하고 싶은 마음이 들게 합니다. 그런 여러 의미들이 담긴 메시지입니다.

It means the darkness shows its beauty when it shines a light on other beautiful matters, like a strain of light shining brighter with more charm in the darkest. It can be portrayed in black, the color you get when you mix all colors, embracing all. Moreover, when you work with leather, colored or patent leather can be pretty at first, but it can become cloyed after some time. But if you add layers of details on black, you never get tired of it. It takes much more effort to make it, but with much excitement for a challenge. Those are the meanings of the message.

Q. ''검은 밤'은 어떻게 탄생하게 되었나요?

How did 'nox 🌑 atra' come to life?

가족의 막내로 태어나기 전날 그 밤이 유난히 더 어두웠다고 합니다. 빛나는 별이 어두운 하늘에 티같이 느껴질 만큼 어두운 것만으로도 이렇게 아름다울 수 있구나 하시고는 아버지께서 검을 현으로 제 이름을 지으셨습니다. 늘 그 이름처럼 아름다움에 가까운 어둠을 표현하는 작업을 해왔고 이번 작업 역시 그 연장선입니다. 다양한 의미의 무게를 지고 살아가는 사람들의 고단함을 스니커즈에 많은 발들이 함께 지탱해 주고 있다고 생각하니 약간의 의지와 위로를 느꼈습니다.

The sky was exceptionally dark on the night I was born as the youngest child of my family. My father named me Hyun, meaning dark, after seeing the beauty of the night that makes the shining stars feel like specks in the sky. As the name connotes, I have always been working on expressing the beauty of darkness, and this work is an extension of that. I felt a bit of power and comfort to see these many feet share the burden of various things in life.

Q. ''검은 밤의 디테일을 몇 개만 소개해 주실 수 있을까요?

There are many unique details of 'nox 🌑 atra' - could you highlight a few?

스터드, 매듭, 검은 층들로 표현된 희생과 고뇌 그리고 안식을 이야기하고 싶었습니다. 신발 밑바닥: 예수님의 (가시) 면류관/ 위쪽: 못 박힌 성흔/ 앞에 꼬인 패턴: 희생 십자가: 희생의 상징적 표현

I wanted to tell the story of sacrifice, anguish, and rest with studs, knots, and layers of black. Sole: Jesus' crown of thorns / Left: Stigma in nails / Twisted patterns in front: Sacrifice / Cross: Symbol of sacrifice

Q. 이 작품을 접하는 분들에게 어떤 메세지를 던지고 싶으신가요? 어떤 분들이 이 작품과 어울리실 것 같나요?

What kind of message did you aim to convey through this work? Who would resonate with these shoes?

풀리지 않는 매듭 같은 복잡한 심정과 고통의 무게들을 짊어지심에 감사한 마음입니다. 비상을 기다리며 창작의 무게, 표현의 결핍을 견뎌내는 많은 분들을 생각하며 만들었습니다.

I am grateful for those who carry the burden of pain and complex mind like the knot that cannot be untied. I made these thinking about those who endure the weight of creativity and the need for expression until the day they shine.

Q. 지금까지 많은 협업을 해오셨는데, 세븐에잇언더와의 협업이 어떤 점에서 달랐을까요?

Compared to your previous collaborations, what was special about working with SEVEN EIGHT UNDER?

아직 누군가가 걷지 않은 눈밭을 걷는 느낌 새로움과 처음이라는 강렬한 매력이 있고 도전보다는 채움에 대한 너그러움과 여유가 좋았습니다. 그리고 아웃솔이 남달라 채워보고 싶었습니다.  

It was captivating to feel like walking on a snow field that no one had walked on, the strong appeal of something new, and the generosity and composure to fulfill rather than a challenge. And the unique outsole was tempting to fill in.

Q. 앞으로의 계획이 어떻게 되시나요?

What are your plans for the future?

계속 작업을 이어가는 것입니다. 브랜드를 런칭하고 이런 창대한 계획보다는 사람들에게 ‘우와’ 하는 감탄사를 줄 수 있는 작업들을 해나가고 싶습니다.

Keep creating my work. Rather than having ambitious goals like launching a brand, I want to keep making something that can wow people.

Q. 마지막으로, 세븐에잇언더의 신발을 신고 가고 싶으신 곳이 있을까요?

(가고 싶으신 장소, 행하고 싶은 비전 등)

Lastly, is there any place you would like to go with SEVEN EIGHT UNDER?

아이들하고 연을 날릴 수 있는 넓은 들판, 아이들과 연을 날릴 수 없는 나의 작업실. 우선순위가 아이가 됐습니다. 첫 머리에 아이, 그리고 제 작업 계획 속에도 아이. 아이들과 갈 수 있는 곳이면 어디든 좋겠습니다.

A large field I can fly a kite with my child and the studio where I cannot. My priority has become kids, both in life and at work. Anywhere I can go with my children would be wonderful.

Q. 젊은 작업자들에게 한마디를 한다면?

What would be your advice to emerging artists?

제가 주제 넘게 무슨 말을 하겠습니까. 조언을 해야한다면, 기준치를 높고 낮음이 아니라 자기 기준에 맞춰서 가라고 말해주고 싶습니다. 하나를 공들여서 하는 것도 놀라움을 주지만, 방대한 양을 성실하게 해내는 것도 사람들에게 놀라움을 줍니다. 고민을 하는 사람들은 결국 좋은 결과물을 낼 수 밖에 없고요. 또 자기만의 색을 찾는데 어려움을 겪는다면, 극한의 감정을 느끼는 것도 도움이 되는 것 같습니다. 극으로 치닫는 감정을 느껴보면서 작업에 표현해나가면 좋지 않을까? 자신의 감정을 느끼면서, 남을 좇지 않고서요.

I feel too humble to advise them, but if I have to, it would be "keep pursuing your values without judging them high or low." One fine artwork may awe people, but the diligence of creating a breadth of work does, too. Those who put that much thought into their work would inevitably get excellent outcomes. Also, if you struggle to find your color, it might help you to feel extreme emotions. Wouldn't it be good to observe your feelings escalating and capture them in your work? Focusing on your own emotions, not others.

Q. 자기소개 부탁드립니다.

Please introduce yourself.

아트토이를 만드는 Lady Brown 강지혜입니다. 아티스트 Coolrain의 피겨 의상을 만들고 컨셉 작업에 참여하고 있습니다. 그 외에 토이를 커스텀 하기도 하고, 작업하고 남은 천 조각을 이어 패턴을 만들며 나를 표현하는 작품들을 만들고 있습니다.

Hello, I'm Jihye Kang, "Lady Brown," an art toy maker assisting in the concept and costume making of Coolrain's figures. I customize toys and create artwork with leftover fabric to express myself as well.

Q. 아트토이를 만들게 된 계기가 무엇인가요?

How did you start making art toys?

Figure를 모았고 만들어보고 싶어서 Coolrain에게 배우고 함께 작업하고 있습니다. 예전에는 Art Toy를 바라보는 장난감으로 생각했습니다. 지금은 Art Toy에서 (사람들은 Art에 대해 다양한 의견을 가지겠지만) Art를 나를 표현하는 형식으로 생각하고 있습니다. 나에게 Art Toy=Figure였다면 지금은 Art(표현)와 Toy(작품들)를 나만의 방식으로 풀어가려 합니다. 

I've collected figures and wanted to create them myself, so I'm learning that while working with Coolrain. I used to think of art toys simply as toys to look at, but now I take 'art' from the 'art toy' as a way to express myself. So my definition of 'Art Toy = Figure' turned into 'Art'(self-expression) and 'Toy'(works).

Q. 주로 바느질을 이용해서 작품을 만드시는데, 이유가 있으실까요?

You use stitching as a main technique - is there a particular reason?

남들이 보기엔 이상하다고 생각할 수 있겠지만 마음에 드는 천을 오리면 마음이 편했고, 남는 천 조각들을 바느질해서 무언가를 만드는 것은 나에게 자연스러운 놀이와 같습니다.

Some may think it's weird, but cutting fabric soothes my mind. It's a natural play for me to sew and create something with leftover cotton pieces.

Q. 가장 애착이 가거나 특별한 스토리가 담긴 작품이 있으신가요?

Is there any piece that you adore the most or have special memories of?

Figure 작업을 하기에 경제적으로 어려웠던 시기에 Figure를 만들 수 있는 다른 소재를 고민하다 가장 익숙한 천들로 인형을 만들었습니다. 비용 부담을 줄였고 생각하는 형태를 쉽게 표현할 수 있었습니다. 그때 만든 인형 중 ’딸기심장‘이 기억납니다. 당시 쉽게 상처받는 마음을 으스러지기 쉬운 딸기 같은 심장으로 표현했습니다. 이때의 작업을 통해 Art Toy=Figure에서 다양한 Art Toy의 방식을 고민하게 된 중요한 계기가 되었습니다.

When I was financially struggling to buy needed materials to make an art toy, I made dolls with the material I was used to the most - fabric. It cut down costs and allowed me to quickly form the shape I imagined. Among the dolls I made then, I remember 'Strawberry Heart' in particular. It portrayed how vulnerable the mind can be at the time, easily crushed like strawberries. It was an important piece that made me think of various ways to make art toys, changing my mind from 'Art Toy = Figure.'

Q. 이번에 세븐에잇언더와 작업을 하셨는데요. 어떠셨나요?

(스니커즈를 처음 보았을 때 느껴지셨던 것들이나, 작업을 하시면서 영감받으셨던 부분 등 전반적인 후기가 궁금합니다~)

How was the collaboration with SEVEN EIGHT UNDER?

Could you please describe your work 'Wandering Walking Home' in detail?

신발이지만 장난감처럼 익숙하게 보였습니다. 저 장난감 신발의 발들은 어디로 가고 있는 걸까 궁금하기도 했습니다. 세븐에잇언더의 이름을 생각하면 우리에게 우연같은 행운이나 휴식(7,8)이 아닐까 생각해 보았습니다. 행운이나 휴식은 그냥 주어지지는 않는 것 같습니다. 꾸준한 걸음을 통해 다양한 세계를 만나는 과정인 것 같습니다. 세븐에잇언더의 플랫폼에서 바늘로 집을 그리고 그리게... 된 이유입니다. 그래서 나에게는 ‘집으로 가는 모험’입니다.

SEVEN EIGHT UNDER Sneakers are shoes but also like toys, making me wonder, 'Where are all those legs heading? 'When I thought about the brand name, I took the 'Seven' and Eight' with meanings like accidental luck or rest. Luck and rest don't come easy. They are part of the continuous journey of encountering different worlds. That is why I stitched over and over and drew houses on the sneakers. So it is, to me, 'Wandering Walking Home.'

Q. 작가님의 작품에서 '길' 혹은 '시간, 삶의 흔적' 같은 것들이 많이 느껴지는데, 바느질에 담긴 의미가 있을까요?

'걷는다'는 표현도 많이 사용하시던데, 작가님께 걷는다는 것은 어떤 의미가 담겨 있나요?

You mention 'journey,' 'time,' or 'remnants of life' a lot in your works.

What do you mean by them?

나는 세상을 살면서 소중한 것을 잘 까먹는 사람입니다. 질문에서 언급한 ‘길’과 ‘시간’은 결국 ‘흔적’들이고 지금은 없는 소중한 자리입니다. 그래서 바느질로 잊는 것을 그리고(draw) 잇고 있는지도 모르겠습니다.

I often forget about precious things in life. 'Journey' and 'time' mentioned are just 'remnants,' carrying the value in their transience. So I am trying to draw and connect them through my stitching.

Q. 작업에 집의 모습과 마을의 모습이 종종 보이던데요. 작가님께 실로 만든 집이란 특별한 의미가 있으실까요?

You often portray a house and village in your work. Do they mean special to you?

집과 마을을 바느질하지만 꼭 형태적인 집과 마을을 생각하는 것은 아닙니다. 내 마음속에 집, 마을 같은 기억 속 그리움입니다.

I draw a place and town with my sewing, but they don't limit their meanings figuratively. Instead, they symbolize the longing memories for home and the village in my heart.

Q. 작품에 따라서 소재나 소품을 고르는 것이 굉장히 많은 고민이 들어갈 것 같은데요. 작가님께서는 가장 중요하게 생각하는 것이 어떤 것일까요?

What is the most important aspect when selecting a material?

작품의 컨셉이나 스타일을 고려해서 소재나 소품을 고르지만 실제 작업 과정에서 구현이 안 되는 경우가 있기 때문에 작업시 발생하는 변수를 가장 신경 씁니다. 그래서 평소 다양한 재료들에 익숙하기 위해 노력합니다.

I choose topics and ingredients according to the concept and style of the artwork, but what I care about the most is variable in the process since many of those ideas cannot be realized in real life. So I always get myself familiarized with a variety of materials.

Q. 작가님께 천과 실은 기억과 흔적을 담고 있고 또 다른 무언가가 될 수 있는 가능성을 가지고 있는 플랫폼인 것 같아요. 작가님께서 혹시 또 다른 소재를 활용해서 작품을 하신다면 생각해보신 것이 있을까요?

Cottons and stitches seem to be your platform with potential to take memories and remnants to something else. Are there any other artworks you considered in making with other materials?

작업의 종류에 따라 표현이 달라진다고 생각합니다. 최근 개인 작업을 기억과 흔적으로 읽어주셔서 감사합니다. 플랫폼 가능성을 염두에 두고 작업 한 것은 아니지만 일상에서 접하는 많은 것들 중 마음에 떠오르는 것들이 ‘가능한 플랫폼’이 될 수 있을 것 같습니다. 가위로 오리고 바늘로 꿰맬 수 있는 모든 소재라면 무엇이든 가능한 작품이 될 수 있습니다.

I think expressions vary by the kind of the artworks. Thank you for reading my recent personal work as memories and remnants. I did not consider this work as a potential platform, but it certainly can be since many daily interactions can hold their places there. Anything can be an artwork with something that can be cut or sewed.

Q. 일반적인 옷을 만드는 것과 작은 옷을 만드는 일에는 특별한 차이점이 있을까요?

Is there any distinctive difference between making petite figure clothing and regular clothing?

Figure는 스스로 스타일을 연출하지 못하기 때문에 작업자가 옷을 만들 때 조형하듯 스타일을 만들어 주어야 합니다. Figure 의상이 1/6 Scale로 모두 같을 것 같지만 캐릭터에 따라 느낌을 살리는 부분이 중요합니다. 단순히 사이즈 축소만으로 만들어지는 것은 아닙니다.

Since figures cannot style themselves, the makers should approach their styling like sculptures. Figure costume sizes are in 1/6 scale, but it's essential to cater it to the characteristics of the figure. It is about more than just reducing the size.

Q. 주로 영감을 얻으시는 곳이 있으시다면요?

Where do you usually get inspired?

걸어 다니면서 보는 풍경들, 구름, 돌멩이, 꽃과 나뭇잎... 출근해서 퇴근까지 만나는 네모난 것들. 그리고 친구들과의 소소한 이야기들을 좋아합니다. 느낌은 좋지만 이해하기 어려운 영화나 책을 반복해서 나만의 방식으로 보는 것을 좋아합니다. 그래서 어떤 경우에는 하나를 이해하기까지 아주 오랜 시간이 걸리기도 합니다. 아침에 일어나 음악을 들으면 어떤 음악들은 이미지가 되고 상상의 통로가 되기도 합니다.

Sceneries I see on the walk, clouds, stones, flowers, and leaves... any rectangular objects I see from the morning to evening, and I like small talks with friends. I also like watching a movie or reading a book repeatedly to truly understand it more than the feeling I got the first time. So in some cases, it takes a very long time to understand something fully. Music I listen to when I wake up is sometimes visualized or opens doors for imagination.

Q. 앞으로 하고 싶은 작품들이나 계획이 있으시다면 궁금합니다

What are your future plans?

너무 익숙해서 무심코 지나치는 것들을 기억하는 작업을 하고 싶습니다. 기억은 예전 이야기지만 지금의 나이기도 합니다. 작업이 내가 되고 사람들이 관심을 가져준다면 감사한 일이라고 생각합니다. 세븐에잇언더 같은 플랫폼과 소통하고 내가 관심을 가지는 작가들도 작업으로 만나고 싶습니다.

I want to create more works about remembering tirival things I often overlook since I am so used to them. I also want to keep collaborating with platforms like SEVEN EIGHT UNDER and other artists who are interested.

Q. 마지막으로 세븐에잇언더의 신발을 신고 가고 싶으신 곳이 있을까요?

Finally, where would you like to go in SEVEN EIGHT UNDER sneakers?

만날 수 없고 갈 수 없는 또는 내가 모르는 세상으로 가고 싶습니다.

I want to go to a world I do not know, cannot travel to, or cannot even meet.

작품설명 Description

김한기 작가의 작품에 자주 나오는 캐릭터 HOLD(존버), 아이노서, Nazca
HOLD (Jon ber), Ainoser, and Nazca, characters that appear in many of Kim's works.

작품설명 Description

예술은 어렵지 않아! 맘껏 느껴봐!!
Art isn't hard! Feel free to explore!

작품설명 Description

그럼에도 불구하고, 오아시스를 향해.
Nevertheless, towards the oasis.

작품설명 Description

작가의 오리지널 그래픽 애니메이션인 <Don't get me wrong(Lindsayking)>의 일러스트를 이번 어반브레이크와 함께 하는 세븐에잇언더 스니커즈에 그려 넣었다. <Don't get me wrong>은 나만의 잣대와 오해, 편견으로 상대방에게 어쭙잖은 조언을 할 때 오히려 상처를 주게 되기도 하는 경우가 있는데, 100% 남의 입장이 되어볼 수는 없는 노릇이니 조심해야 할 필요가 있다는 내용을 담은 작품이다. 세븐에잇언더 스니커즈와의 콜라보레이션 작업을 통해 "being in someone's shoes" 즉 "남의 입장이 되어보는 것"에 대해 말 그대로 '신발'에 표현해내었다.

The illustration of the artist's original graphic animation <Don't get me wrong(Lindsayking)> was painted on SEVEN EIGHT UNDER sneakers, showing how important it is for us to put ourselves in someone's shoes to empathize with others rather than holding judgments and misunderstandings. In this collaboration, the artist expressed the notion of "being in someone's shoes" intuitively.

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Edition Imagine Animal Edition

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글자를 구성하는 가장 원초적인 도형들의 행진을 표현했습니다. 가장 기본이 되는 요소들은 단순한 도형들로 표현되지만 실제로 각 도형은 심플함만큼이나 완벽함을 갖추고 있습니다. 가장 완벽한 요소들이 모여서 글자, 그 이후에 글이라는 형태를 갖추게 되고 그것을 본 모두의 마음에 각기 다른 형태의 생각을 불러일으키게 됩니다. 단순하며 눈에 띄지 않지만 완벽한 작은 요소들이 모여 만들어진 의미를 가진 문장은 우리가 사는 인생과 닮아있으며 작품을 본 모든 분들이 그 작은 요소들의 소중함과 생기있음을 다시금 기억했으면 하는 바람입니다.

ENZO illustrated the marching of Korean letters in its rudimental forms that are so simple yet perfect for their simplicity. The mixture of those letters becomes words and stories, inducing different interpretations from each reader. Our lives resemble these unnoticeable yet perfect components that build narratives in combination, of which the artist hopes to remind us of their preciousness and liveliness.

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생명체의 뚜렷한 네 가지 감정.
희로애락(喜怒哀樂)을 캐릭터화하여 더욱 뚜렷하게 표현한 작품이다.

The four distinctive emotions of any living being - joy, anger, sorrow, and happiness - have been vividly portrayed on these sneakers through characters.

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Merry Go Round

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작가의 작품에 사용되는 패브릭을 사용하는 기법과 자주 등장하는 상징적인 언어인 'BE HAPPY'를 사용하여 제작한 신발. 작가가 생각하는 '우리'를 둘러싼 주변의 시선을 표현한 작품이다.

HEE JIN AHN's sneakers have been created with her signature usage of fabrics and her symbolic phrase of 'BE HAPPY.' These sneakers show how the artist views the eyes of the others around 'us.' 

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웰시코기 이광복 씨는 2014년 네이버 라인 스티커 공모전에서 5000 : 1의 경쟁률을 뚫고 우승한 캐릭터입니다. 현재 카카오 이모티콘 스토어를 비롯하여 다양한 플랫폼에 꾸준히 출시되고 있습니다. 짧은 다리, 긴 허리, 오동통통 엉덩이의 소유자 웰시코기 이광복 씨는 여러분들의 삶 속에 언제나 함께 하고 싶은 댕댕이입니다.

Welshcorgi Mr.LEE is the character that won first place in the 2014 Naver Line Sticker Competition out of 5,000 applicants. It is continuously being introduced on various platforms, such as Kakao Talk Emoticon Store. Welshcorgi Mr.LEE is a puppy that wants to be in our lives at all times, showing her charm with her plumpy butt.

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Pop Forest Sneaker

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Tangerine Dream

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신발을 신고 수많은 곳을 돌아다니는 우리는 무엇을 향해 걷고 있는 걸까요? 우리의 작은 발걸음은 어디에 닿아야 할까요? 많은 것들을 두고 티격태격 다투다가 결국에는 '행복'이라고 말하고 논쟁이 끝날 것 같습니다. 그리고 그 '행복'은 지속할 수 있는 것이어야 한다고 생각합니다. 아주 잠시 머물렀다가는 즐거움이 아닌 지속이 가능한 행복. 저는 그것이 '자연'과 맞닿아 있다고 생각했고, 우리의 발걸음이 결국에는 자연을 향해 있어야 함을 그림을 통해 표현하고자 했습니다. Green Steps는 식물의 줄기를 모티브로 사용하여 디자인했습니다. 초록빛 줄기가 얽히고 그 안에서 터져 나오는 자연의 역동성과 힘. 그것이 결국에는 우리가 생각하는 오롯한 행복, 즉 '복' 아닐까요?

We travel everywhere with our shoes, but where are to? After a continuous battle to find the answer, the artist concluded it to be 'Happiness,' which has to be lasting, not ephemeral. It is portrayed in <Green Steps>, showing that we find lasting happiness in nature. The dynamics and power of nature are pure joy, the 'blessing.'

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[The Riddle of Life | 삶의 미로] 시리즈와 연계된 형태로, 해당 작품에서 주로 드러나는 시각 요소들을 패턴화하여 드로잉으로 표현했다. 스니커즈의 양쪽 신발 패턴은 서로 같지만, 배치의 재미를 주어 양쪽으로 신었을 때 한쪽 면과 반대쪽 면이 다른 패턴으로 드러나는 형태를 가지고 있다. 색이 아닌, 선의 매력을 담으려 했던 작품이다.

The work is a continued series of [The Riddle of Life]. Its visual elements were drawn as a pattern, portrayed with a subtle touch of difference on the side. It was the work that imbued the charm of the lines rather than the colors.

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픽셀과 캐릭터 등이 어우러진 상상의 공간 픽셀타운비치에서 주요 캐릭터 중 하나인 브레인이 서핑을 즐기며 여유로운 시간을 보내고 있는 장면으로, 디지털 작품에서는 주로 픽셀의 형태로 등장하는 캐릭터를 심플한 라인 형태로 그려 색다른 조형성을 표현하였다.

The artwork shows the scene of Brain enjoying surfing and chilling in an imaginative space of a pixel beach town where pixels and characters coexist. The artist expressed its unique structure in simple lines to differentiate it from its usual appearance in digital works.

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세상엔 다양한 사람이 있다. 우린 함께 그 속에서 살아간다. 혼자 사는 세상이 아닌 함께인 세상. 함께여야 더 즐거운 세상.

There are many different kinds of people in this world. Among them, we stand alone. But it is the world to live with others, not by oneself. The more, the merrier.

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조용히 떠도는 루히드와 폴이 귀신이 통해 꽃을 찾아 떠나는 여정.

The journey of Louis and Paul, quietly roaming around for the flower possessed by the ghost.

ARTIST INSTAGRAM
@sssssunnnn, @choichoi

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한 사람은 다른 사람들과 얽혀 산다. 얽히고 설킨 관계 속에서 타인에게 동화되어간다. 화면 속 군중은 나의 모습이자 우리의 모습이다. 퍼즐처럼 서로에게 맞춰가며, 비슷한 모습의 군중이 되어간다.

One's life is integrated into others' through wheels within a wheel. The crowd in the image reflects us that conform to the group by fitting into the puzzle.

작품설명 Description

High Bee